如果你想要深入了解混音艺术，其实到处都能找到相关信息。这些信息大多都进行了科学化的细致分类。

当然，这种信息几乎都十分有用。但是，我们在此是想通过选聘一些富有经验的业界人员，并把他们的见解贯彻到操作过程中的做法，使这种信息得以连贯体现出来；而不是在此介绍得到这种信息的途径。你在此读到的所有东西都是可靠的第一手材料。通过阅读这些材料，你将透彻地了解某些业界最优秀的混音师所应用的相关技术和方法，并让你自己有信心去实践这些技术和方法。大量用于制作完美混音的技巧来自实践经验，采用意想不到的简单手段即可掌握——你会发现我们混音师的话既是这一点的最好证明，也能给人以深刻启迪。好，下面就让我们以几个关键环节为起点，看看开始制作混音之前，你能够做哪些准备。



进入混音世界

很多混音师对他们的项目是录音和混音兼而负责。因此，对他们而言，最后的混音其实从录音之始就启动了。Ian Sherwin这样解释他的理念：“从混音的角度来看，一开始就应该从声音和音乐这两者的观念出发来考虑你的整体安排。一个管弦乐队能很好地说明这个问题——乐队中每件乐器都支配着一个特殊的频谱范围，但是他们仍有足够的频率延伸量而允许它们互相混合。这种混合对于营造一种融合性平衡来说是非常重要的。”他还提醒我们要记住那个经久不衰的格言：“在你的混音安排中乐器和音效（元素）越多，那么在混音效果中每个元素所占份额就会越小——如果你想把混音做的特别清晰。”

Guy Massey和Jacquire King在他们从事的项目中经常既录音又混音。他们每每在录音的时候就设想了混音设计划。Guy告诉我们，“假如我完成了录音，所有的音效一般都只需稍作调整就行了。我喜欢处理那些我或者乐队/艺术家喜欢用磁带或电脑从一开始就录下来的声音，在处理过程中遵从‘听上去好，就算好’的原则（如果听起来不好那么就再来一遍吧）。不过当添加的层次越来越多时，在混音过程中你所处理的那些音效就可能需要聚合一下。”Guy还强调，如果编曲/或者录音师用了最喜欢的效果处理过音轨，那么一定要把没有处理过的音轨也发送给混音师。这样，他可以在考虑艺人的风格体系后想出更好的办法。

混音师的另一项经常从事的工作是歌曲段落重排。Jacquire多次做过这种工作，他说：“段落修改最危险的事情就是编辑自动化控制（动作记录 automation）。因此，我每次都把原始文件拷贝好几次，以便尝试不同编辑风格。然后，我就能将其粘贴在自动操作中，或者利用返回另一个拷贝的能力来做些改变。尽管我尝试着避免给出一个以上的选项，但是对可能发生的情况，我还是作出自己的应对。作为一个混音师，我感到自己能作出明确的决定。如果我的决定不奏效，那么所存在的问题就属于很大的那一种。我并不是对所有的问题都有答案。实际情况是，如果这个办法不行，那个办法也不行，那么就让它维持原样吧。”



关于混音处理

好了，你已经准备好开始开始混音了，关掉电话，备上点小饼干和饮料。看看我们的混音师在面对“着手去处理什么？”这个问题时，所采取的措施。Ian Sherwin的信念是，“每次的制作都不相同，所以你应该对你所听到的东西一直持开放的态度，避免老套的方法。例如，你可以问一下自己，这条音轨是否真的需要压缩？是不是根据‘你是一直那样做的’来决定的。相反，应该欣赏一下平衡感所带来的一切，感谢EQ和压缩恰如其分地帮助你取得最终平衡。”

Philip Tan愿意跟我们分享他在混音处理方面的想法，他说：“如果混音处理的每部分录音都很好，音效也经过仔细的选择和安排，那么混音所要求的条件可能仅仅就是（1）创建一种和谐的平衡，（2）利用用自动化控制和效果创建贯穿歌曲兴趣点。利用你所欣赏的相似的音乐作为参照点是很重要的，因为这样做能不断地拓展你的音乐语汇。”

然后他继续跟我们分享他在压缩方面的经验，他说：“对于我来说，压缩主要是两件事情，一是控制动态，二是对声音的染色。压缩的操作是具体情况具体分析，因此并没有既定规则来决定我做什么。但是，对于压缩操作来说，还是有几项通用的指南的。例如，就打击乐元素来说，你一定会要求启动时间（attack time）来得足够慢，因为只有这样，压缩器才不会占据瞬变信号（音头）并将其变得平淡无奇。释放时间通常取决于节奏，因为你总是要确认压缩器是按照释放时间而“呼吸”的，不会影响到下一个音头。”

当谈到如何达到平衡的时候，Jacquire肯定地说：“我讨厌现在的做法。把所有轨道都扔上限幅器，把轨道弄成一个绝对静止的动态范围，信号猛冲限幅器（电平表顶到头不动）。把母带工程师的音量空间留出来。做好平衡和动态才是注意力该集中的地方。

然后他也透露一些他的秘诀，他说：“我将平行压缩（压缩的一种使用技术）运用到鼓上，偶尔也用到其它乐器上，但是我绝对不过度压缩任何东西。我最常压缩的东西是人声、军鼓、鼓组房间轨和贝斯。说到此处，让我们再强调一下不要尝试利用效果器来制作混音，而应该利用调节音量来制作混音，对于我来说，这也是为什么早期多音轨录音专辑听上去是那么鲜活和有临场感的原因之一。因为在这种专辑里面，音效的强弱动态来自各种音效发生源；在制作过程中，音效发生源所产生的所有重要的音效运动都被体现出来，而不是每种音效仅仅都能被听见而已。”

在手头上保留一些音乐参照点，可帮助你保持良好的工作状态。使这些参照点在平常处于静音状态。而不管在任何时候当你对其单独放音的时候，它们都能让你拥有快速的A/B比较能力。在长时间工作的情况下，这是一种“刷新”你的听力的好办法。



# 混音与匹配

针对这个流程，我们特意从不同范围的工作背景中找了一些专业人士。当我们问Joe Chiccarelli，对于追求那种很坚实而响度又非常大的混音持什么观点时，他回答说：“如果我正在做那种富有侵略性的摇滚乐和techno电子乐的话，和谐而又响度大的混音对我来说才有重要意义。此外，我认为这种混音对于歌曲有重要意义，它能把你吸引到歌曲中去。在摇滚乐方面，它能抓住你的注意力，并让你的注意力一直都保持在整首歌曲上。为了得到这种效果，我用了相当多的平行压缩技术，使用了Chandler、Urei和Daking Audio等三个品牌的压缩器。我使用这些压缩器来处理鼓、人声、贝斯，甚至是吉他的声音效果，以达到一种音墙效果。我有时还会对一种乐器使用多种压缩器。”

在电子音乐的混音中，Drum&Bass风格的代表人物 Sigma有另外一种方法让他的混音具有充满竞争力的大音量：“我们一般都会用光谱分析轨道中的音轨，音量就是来自这些轨道光谱分析的有效值。有些合成器音色可以比其他音色推动的更大声，还不会失真。我们通常会对2-7khz的频段加重，做一些失真和eq处理。尽量避免用太多的压缩，而且是用Sonnox Inflator来处理，这个插件扮演着“砖墙限幅”（一种限幅器的统称）的角色。而且它的音染很小，我们会经常用到。

在发送和插入当中把失真设置起来，能帮助你走出困境，假如你正需要对一个没有活力的轨道注入特性的话。Guy Massey的钟爱是Electro-Harmonix Big Muff、Micro-Synth，以及Ibanez的Tube Screamer。

Machine有着丰富多彩的专业背景，他同样也精通处理声音的技巧，是能把音效处理得更微妙的高手。他说：“你可以做很多事情去改变任何听上去不太美好的东西，而它们本来是能够变得更好并具有更大吸引力的。例如，吉他音箱模拟再放大或鼓组采样分层。此外，假如还有需要进一步关注的事项，那通常就是鼓组。简单的说，你是在操作10-16轨，这些轨组合成了一件乐器的声音。这些轨在声音中存在着相互关系，而它们的相位就让鼓组的效果变得很独特。对于我来说，鼓组是我永不放弃发展的技巧。我是声学鼓录音的大粉丝，我正在靠着这招儿增加我的客户。”


我们问了他几个不同音乐风格混音的独特元素问题：“通常来说，重型音乐是中频的战争。失真吉他，bass，军鼓，人声基本都在这个频率里，而且还会持续性的演奏。Hip hop 和流行音乐是律动为主，会有很多的空间。这些空间可以作为控制动态感觉的重点。


还有一个来自 Vincent Di Pasquale的观点。他制作了大量的重量级remix混音。我们问了他关于如何对remix作品进行混音：“自从大部分remix的用途都是为了俱乐部播放，地鼓和贝斯的关系变得十分重要。俱乐部用的音轨包含更多的低频，得到正确的超低频冲击还不会破坏混音的喘息感是非常关键的。首先我会确定超低频的准确性。让地鼓，bass，低频合成器音色的超低频信号都处于正确的频率范围。在叠加轨道的时候我会给总线上的喘息空间留下足够的headroom。等全部的音轨都调整好频率范围后，我会推高主推子的增益。另外一个对我来说十分重要的区域就是高频信号。像踩镲，人声部分。跟标准流行乐和电台版相比，我更趋向于把高频做的稍微突出些。因为大多数俱乐部的环境会有很多人，人一多就会吸收高频，对观众而言没有高频会有些迷失感，把高频做高一点就会更好的解决这个问题。在单轨和总线轨道上我都会用EQ在7-10khz做一个锋利点的提升。当然，每个混音工程都不一样，我大概都会从这些步骤开始。”

来源：Musictech
转载：音乐人攻略
编译：宋卓

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拨片   2014/05/10   0   问答